Arta în sistemul de cultură

„Arta - o formă de cultură asociată cu capacitatea subiectului de a dezvoltării estetice a lumii vii și reproducerea acesteia în modul figurativ și simbolic, bazându-se pe resursele imaginației creatoare.“

Dar putem spune că această definiție este suficientă pentru a reprezenta diversitatea de sensuri conținute în domeniu pentru a surprinde specificul unic al acestui fenomen ... Desigur, răspunsul este nu. Nici o definiție nu poate satisface toate, în principiu, ca fiecare are propria idee de artă, valoarea și scopul acesteia. Orice încercare de a vorbi despre faptul că există o artă, o expresie a unui punct extrem de vedere subiectiv. Și aceasta este una dintre cele mai importante diferențe de artă din alte fenomene culturale. Arta, în ciuda ambiguității aparente și subiectivitatea percepției, odată ce a intrat în viața umană și să nu-l părăsească. Timp de secole, în ciuda pragmatismului uman în creștere, încă îngrijorat cu privire la frumusețea altruistă de pictură sau muzică.

Astăzi, nici un răspuns simplu la întrebarea de ce o persoană are nevoie de artă. Unii susțin că există o artă de a decora vii - acești oameni sunt cu încăpățânare încearcă să descopere frumusețea modul în care legea eternă a vieții. Într-adevăr, frumusețea omului îngrijorat: el a încercat să-l prind în natură, în cei din jur, pentru a identifica orice criterii, și apoi repara. În istoria artei poate fi găsit miliarde de „martori“ (picturi, sculpturi, miniaturi, poezii, cântece), astfel de întâlniri cu frumusețe. Alții cred că arta ar trebui sa educe oamenii - acestea sunt în căutarea în lucrările Bine ați venit, se bucură, justiție. Alții cred că arta este un mod de a înțelege lumea, așa că scopul lor în artă - deschiderea și de blocare a Adevărului. Deci, se dovedește că arta este în măsură să îndeplinească foarte diverse interese.

Care este diferența de artă din alte fenomene culturale, care oferă, de asemenea, o persoană posibilitatea de a-și îndeplini nevoile lor? Răspunsul se găsește într-o legătură inseparabilă între artă și realitate. viața umană este plină de variație: o persoană este prinsă în schimbarea eternă a realității exterioare și lumea interioară. O persoană poate căuta modalități de a adapta sau de a depăși această variabilitate: acumularea și aplicarea cunoștințelor, el construiește în jurul lumii culturii, pe care îl protejează de imprevizibilitatea naturii. Deci, activitatea umană se transformă într-o luptă pentru supraviețuire. Dar omul a descoperit un mod de a fi - nu să se adapteze și să se ocupe cu realitatea înconjurătoare, dar să se joace cu ea. Capacitatea de a juca inerente chiar și animalele, omul începe să fie folosit nu numai ca o modalitate de a învăța ceva, sau transferul de cunoștințe, etc. ci ca un mod universal al coexistenței umane cu lumea și a altor persoane.

Arta este o formă universală de atitudine, care este inerentă doar în om. Prin urmare, putem spune că arta este un mod unic de exprimare este o ființă umană. Care sunt aspectele specifice ale modului de realizare a omului și încercăm să aflăm.

Criterii de determinare a artelor sunt diferite: ele depind de cultura specifică, în care artistul creează, locul și momentul creării și percepția lucrării.

În sensul cel mai larg, termenul de „arta“ este folosit în două sensuri:

1. Art - o subtilitate, abilitate, abilitate, agilitate, evaluarea ridicată a capacității de a efectua orice lucrare. evalua Deci, de multe ori o persoană care nu este doar un profesionist face treaba, dar o face atât de frumos, ușor, sau ca deosebit de inspirat. Prin urmare, omul de serviciu măturat frunzele, el poate simți sau să fie perceput de alții ca un poet.

2. Art - o activitate de creație care vizează crearea de opere de artă, punct de vedere estetic forme expresive.

Dacă vom combina aceste două valori, obținem următoarea definiție:

Arta - o operă de artă, bazată pe îndemânare și abilitate.

Tradiția de înțelegere a artei ca măiestrie și abilități dezvoltate deja în antichitate, când au fost formulate în astfel de concepte fundamentale precum Poesis, Mimesis, Techne.

Primul concept, Poesis, înseamnă actul de acțiune creativă, bazată pe inspirație. Cea mai importantă condiție pentru stabilirea sau perceperea unei opere de artă este o condiție specială. Nu întâmplător în cultura mondială este povestea atât de comună a poetului sau vizita artistului Muse, un mod simbolic de inspirație:

Am ascultat cu atenție învățat fecioarele secrete;

Și mi-a plăcut recompensa aleatoare,

Aruncarea pletele frunții dulce,

Propriul din mâinile naiul meu a luat:

Reed a fost animat de respirație divină

Și inima mea este plină de farmec Sf.

A. S. Pușkin „Muse“ Astfel, starea de inspirație, cu experiență ca apariția „de nicăieri“ ceva nou, caracterizat printr-o anumită deschidere către lume și disponibilitatea pentru dialog creativ, atât cu realitatea și cu sentimentul său de această realitate .

Dialogic arta a găsit expresia și în al doilea concept. Mimesis înseamnă „imitație a naturii“. Potrivit grecilor antici, o persoană nu poate gândi la nimic care nu ar fi în natură, astfel încât în artă, el singur poate imita.

Al treilea concept, techne - o ambarcațiune, știință, agilitate, madeness, caracterul complet. Ideea își găsește expresie, manifestare, numai atunci când stăpânul ei încorporate în material, a pus crearea de opere de artă efort fizic.

Astfel, arta este percepută ca o revenire constantă a naturii, dialogul cu lumea în care trăiește artistul:

Mai târziu, în arta a început să realizeze activități creative care vizează înțelegerea și transformarea lumii conform cu legile frumuseții. Aici sunt cuvintele „în conformitate cu legile frumuseții“, se pare, și arta distinge de alte tipuri de lucru: de exemplu, în domeniul științei creativitatea are loc în conformitate cu legile logicii și rațiunii. Dar, în diferite tradiții culturale ale conceptului de frumusețe este definită în mod diferit: ceea ce părea un om frumos din secolul al 17-lea, omul modern pare urât. În plus, tot mai mulți artiști nu sunt în mod deliberat tratate la ceva „frumos“, dar exprimă atitudinea lor față de lume prin „urât.“ Prin urmare, dacă vom vedea arta ca mijloc de fixare este frumusețea, arta este lipsit de orice semnificație.

De asemenea, este imposibil să se definească arta doar ca o expresie a atitudinii individuale și personale a artistului. De fapt, au existat momente, când artistul a fost o expresie nu personală, ci înțelegerea publică a lumii: este suficient să se amintească mare construit în conformitate cu anumite canoane de biserici medievale, icoane, care au fost scrise și sunt scrise până acum pe canoanele iconografice, sau egiptene „portrete“ tipice antice ale faraonilor. O astfel de artă - este în primul rând arta de tradiție, iar în al doilea rând, arta inițiativei creatoare individuale. Toate metodele și tehnicile drevnerumynskogo sau arta antice egiptene sunt menite să exprime eternitatea și imutabilitatea a ceea ce se întâmplă și descris. Era epoca canoanelor marilor! Era, care nu ne este adus aproape nici un nume artist sau arhitect. Arhitect acomodarea numele dumneavoastră undeva pe acoperișul catedralei, risca sa fie pe rug inchizitorial. Vremurile s-au schimbat acum pentru semnătura artistului nimeni nu va trimite la rug. Cu toate acestea, păstrat astăzi această tradiție: nu putem găsi un nume, nici crearea icoana, care a ieșit din atelierul icon-pictura Manastirea Novotihvinskogo din Ekaterinburg sau orice altă mănăstire din România - creează o pictogramă nu este un om, ci pe Dumnezeu de mâini omenești. Canoanele trecut prin înțelegere individuală, nu dețin înapoi, dar ghida căile artistului de exprimare a idealurilor universale și eterne cunoștințe, percepții ale lumii și a omului.

Datorită eficienței acestei metode de traducere ca o artă de idei la momente diferite pe cineva atât de dorit să pună arta la serviciul în sine, să-l folosească. O arta foarte mult timp și-a dovedit dreptul la independență față de politică, morală, literatură și așa mai departe. Cu toate acestea, pentru a domina complet arta nu a putut imagina nici unul dintre aceste fenomene culturale: însăși natura artei nu permite să folosească limba pentru a transmite idei filozofice, religioase sau politice gata făcute. Aceste idei nu le pasă într-un fel sau altul, sunt convertite în artele, sunt interpretarea și pictate emoțional, în funcție de artist.

Deci, singurul criteriu general pentru determinarea specificității artei ca formă de cultură, este că orice idee, indiferent de conținutul său este exprimat prin imaginea artistică, cât și prin mijloace artistice. Este prin această artă este o activitate specifică, care este diferit de alte forme de activitate culturală.

Arta, de către cine și ori de câte ori este creată sau percepută, creează un spațiu special. Într-adevăr, una dintre cele mai comune versiuni ale apariției și existența artei este o versiune a vieții artei ca decor: realitatea gri de zi cu zi se schimbă imediat ce am auzit un cântec preferat, nu gard de beton mai puțin gri plăcut ochiului, atunci când în schimb apare pe saltea pictura reale graffiti. Rezervă Lewis Carroll „Aventurile lui Alice în Țara Minunilor“ este un fel de confirmare a acestei versiuni: lumea minunata in care lucrurile se schimba dimensiunea lor normală și funcția, eroina cade prin gaura de iepure, de rupere un fel de graniță care separă două realități.

Arta spațiu este pătrunsă de diverse frontiere: poate fi teatru cadru de imagine rampă, un ecran de televiziune, prima pagină a cărții, și așa mai departe - toate aceste versiuni diferite ale limitelor fictive și lumea reală. Prin urmare, putem vorbi de existența mai multor sensuri ale „demarcare“ locul unde există o artă. Luați în considerare exemplu, aceste limite de teatru la fel de mult spațiu în care se împleteste numărul maxim posibil de margini.

Primul - „delimitare“ real: teatrul ca o clădire, ca o colecție de facilități scenografice, spații de birouri și camera de zi este locul care are o adevărată frontieră care separă acest loc de la alții.

Al treilea - „delimitarea“ artei: teatrul ca un loc în care „viața apare“ ca o piesă de teatru pe timpul de redare este „delimitat de restul lumii“, datorită experienței publicului și actorii de imagini artistice în spațiul caracteristică. Astfel, delimitarea teatrului îi permite să funcționeze atât ca un spațiu arhitectural reală, și ca un spațiu ierarhic construit de cultură, și ca un spațiu artistic - și, în general, ca un spațiu de structurare umană fiind în cultură.

Toate granițele existente, care biruiește oamenii înainte de a întâlni opera de artă (fie că este vorba de performanță, pictura, structura arhitecturală sau o carte), conceput pentru a nu numai pentru a evidenția practica artistică ca o persoană separată de activitățile sale de zi cu zi, dar, de asemenea, să-l pregătească pentru acest tip de activitate. Dar dacă vii la teatru și să respecte toate regulile de ședere în ea nu este prea dificil pentru o persoană cu experiență suficientă vizitarea teatrului, penetrarea „realitatea“ a piesei, și, în general, orice operă de artă - cel mai dificil lucru pentru o persoană, indiferent de vârstă sau experiență. De multe ori, mulți ani de experiență se pot obține chiar și în modul în care, atunci când o persoană nu este în măsură să direct, ca un copil, să ia acest lucru sau acea bucată de artă care afectează cantitatea de distracție.

După cum se poate observa, comunicarea artistică este determinată nu numai de timp și spațiu, dar, de asemenea, specificul diferitelor forme de artă, fiecare dintre care include propria sa limbă, modul propriu de organizare a dialogului și a spațiului.

În astfel de tipuri de arta ca arhitectura, sculptura, cinema, pictorii arta imagine este fixată rigid la materialul. Aici puteți urmări modul în care avantajele și dezavantajele unei astfel de atașare la materialul. Pe de o parte, mai mult de lucru de artă depinde de materialul, cu atât mai puțin se schimbă. Este imposibil de oferit pentru Andrei Tarkovsky să schimbe ceva în filmul său, susțin cu el, nu numai pentru că acest regizor nu mai este în viață, dar și pentru că filmul a fost deja instalat și-a exprimat. putem, de asemenea, nu este nevoie să se schimbe proporțiile figurii lui Venus din Milo „în legătură cu corpul femeilor s-au schimbat standardul de frumusete,“ - care ar fi absurd. Dar, pe de altă parte, distrugerea materialului duce la moartea și a imaginii artistice. Câte cultura mondială a scufundat pierderi: picturi, a murit în conflicte militare și mâinile unor oameni bolnavi mintal, biserici distruse, distruse statui. În acest sens, expresia „Manuscrisele nu ard!“ Devine foarte condiționată.

Există opere de artă, care au un anumit atașament față de materialul este practic redus la minimum, acestea pot varia în funcție de privitorului. Dar ei sunt vulnerabili la timp. De exemplu, pentru a pune un nou sens în piesa „Hamlet“ de Shakespeare, probabil, și, de regulă, fiecare regizor a vreodată care a preluat punerea în scenă a acestui joc, exprimând contemporan și relevante pentru el, timpul și ideile sale de țară. El ar putea ascunde Hamlet în blugi, să-l joace saxofon, dar nici unul dintre linia de text lui Shakespeare este ca ei nu se schimba. Ca piesa „Hamlet“, poate exista sub forma unui text scris sau oral, care poate fi încorporată într-o piesă de teatru sau film.

Dar să ne întoarcem la luarea în considerare a specificului dialogului artistic. Schematic poate fi reprezentat după cum urmează:

Ca parte a culturii artistice a omului posedat prin diverse metode de comunicare artistică. În același timp, el a format:

2. Ajustare la comunicare, care se dezvoltă înainte de începerea contactului artistic. În procesul de plante dialog artistic poate juca un rol pozitiv în stabilirea audienței pe un limbaj artistic specific și mod de comunicare, dar poate, de asemenea, preveni. Suficient pentru a oferi o astfel de situație condiționată: vechi iubitor de muzica clasica la un concert, programul care a promis împlinirea operelor lui Wagner. Dar ea cade accidental la concertul „The Untouchables“. Poate că dacă ar fi fost pregătită pentru o astfel de schimbare, ar fi capabil să perceapă și această muzică, dar din cauza instalației specifice de la Wagner, eroina noastră, este probabil să fie șocat;

4. Flexibilitatea conștiinței și memoriei artei;

5. Formarea relației valoare semantică a unei opere de artă;

Astfel, cu cât nivelul de cultură artistică, cu atât mai mult o persoană este capabilă să creativă și sotvorcheskoy activitate, cu atât mai mult devine deschis la contactul dialogice cu lumea celeilalte persoane, exprimată într-o operă de artă și de viață mai diversă a unei persoane devine. Pe baza celor de mai sus, este necesar să se determine funcția artei în viața umană și în existența culturii în general.

Arta de-a lungul istoriei culturii mondiale este un sistem de stocare specific

și transferul de expertiză într-un sistem de limbaj special, care utilizează culoarea ca un instrument, ritm,

forme, volume, sunete, etc. Informațiile sunt stocate în imagini, semne, simboluri, texte și lucruri

etc. Există instituții implicate în acumularea și păstrarea informațiilor culturale:

muzeu, galerie, teatru. Aceasta este, arta si cultura - memoria naturală a societății umane,

memoria colectivă și experiența individuală.

În primul rând, din cauza inițierii omului la această memorie este implementată și funcția educativă. Educația în domeniul artelor are loc în mod indirect ca educația - nu este scopul artei, este mai puțin important decât procesul. educația artistică și educația sunt subsisteme ale culturii.

În al doilea rând, funcția de acumulare și transfer de experiență, și include o caracteristică unificatoare care implică integrarea societății prin art.

Specificitatea artei ca o modalitate de a difuza informații este faptul că arta

dialogală. Prin urmare, funcția dialogică este unul dintre cheie. Dacă luăm în considerare arta

ca mijloc de comunicare, putem spune că este legătura fixă între om și cultură;

prin arta omului nu se poate angaja numai în dialog cu contemporanii săi, dar, de asemenea, transferat

în alte vârste și țări, pentru a comunica cu alte generații, oameni (chiar fictive).

„Experiment - experiență, încercarea de a pune în aplicare nimic în nici un fel“ [3]. Plus față de această definiție trebuie să fie sensuri percepută ca o parte integrantă a experimentului conceptul de „căutare“, „tentativă“, „descoperire“, „noutate“ și „schimba tradițiile“, „stereotipuri de rupere“ și așa mai departe.

„Experimentul presupune dorința de a căuta artă, chiar și în erori pentru ceea ce nu există încă.“

Acest dialog determină orientarea experimentului: pentru o schimbare calitativă în cultura artistică (conținutul și funcțiile sale) experimentul ar trebui să fie extins la toți participanții, nu doar spectatori. Artistul, fiind inițiatorul și coordonatorul experimentului, direcționează toate eforturile în primul rând pe ei înșiși - este de a pune într-o situație de autodeterminare constantă - și numai apoi se întoarce către spectator. În consecință, organizarea situației dialogului - o sarcină specială de artă, care trebuie să fie abordate pentru cursul de succes al experimentului artistic.

experiment artistic - experiența de a crea anumite condiții sunt metode de artă, participanților la schimbare și valorile culturale ale întregului sistem, care se face prin formarea unui spațiu unificat caracteristică semantică (joc) actualizat.